Neoclásico: (S.XVIII-S.XIX) – incluye la revolución francesa (1789)
Durante el periodo Neoclásico los artistas y diseñadores decidieron dejar atrás las ideas innovadoras y retomar los cánones clásicos ya que estos representaban el periodo ilustre de la sociedad; es decir ellos querían representar el universo y todo lo que lo compone tal cual como lo representaban en el renacimiento, sabiendo que en esta época se querían retomar los griegos y los romanos. Es decir, de nuevo la razón humana reina ante todas las cosas y la mente del humana es considerada la mejor fuente de conocimiento. Es importante entender que todas las técnicas clásicas tanto en el arte como en la arquitectura se retomaron.
Uno de los mejores ejemplos para entender cómo se retomaron los cánones clásicos en la arquitectura de este siglo es la catedral de San Pablo, situada en Londres. Su arquitecto Sir Christopher Wren retomó el uso de la cúpula ya que ésta era una estructura bastante utilizada por los arquitectos renacentistas, que de hecho algunos de ellos ya han sido nombrados anteriormente en el blog. No solo el uso de la cúpula nos lleva a pensar en los cánones clásicos, también el tipo de pintura que hay en esta.
Otro ejemplo contundente de la copia de los cánones clásicos durante el siglo XIX es «Chiswick House» construida por William Kent y Lord Burlington.
Según sus arquitectos ésta se basa en la Villa Rotonda del gran arquitecto renacentista Andrea Palladio.
Si observamos de manera superficial las imágenes de las dos construcciones podemos tener certeza de que William Kent y Lord Burlington no solamente se basaron en la arquitectura Palladiana sino que la copiaron tal cual, poniéndole algunos toques personales. Por este mismo motivo los artistas y los arquitectos del Neoclásico eran considerados personas completamente superficiales que la mayoría de veces no eran capaces de crear obras y construcciones por si solos, sin referirse a otros artistas del pasado, usando como excusa la idea de querer llegar a la perfección y a la representación de la razón humana. Según William Kent y Lord Burlington las formas rígidas y matemáticas Palladianas podían representar a la perfección la manera de pensar durante el siglo XIX.
Otros arquitectos como Thomas Jefferson retomaron los cánones clásicos para poder lograr, con nuevas tecnologías, construcciones tan perfectas como las que se realizaban en épocas anteriores. Fijándonos en las columnas y en las formas triangulares que éstas sostienen podríamos recordar fácilmente el Panteón.
No solo en la arquitectura se retomaron los cánones clásicos, también en la pintura. Por ejemplo en el óleo de Jaques Louis David titulado “Napoleón cruzando los Alpes” (1801) se retoma el manejo de la luz y del color que utilizaban los clásicos, ésto es evidente en las telas y en el movimiento que se genera en la obra. Además de esto los cuerpos nuevamente se representan con una anatomía y un análisis científico perfecto. Toda la obra está compuesta de una manera organizada y armoniosa, haciendo siempre alusión al uso de la razón humana. Aunque las obras del Neoclásico no tuvieran mucha trascendencia por lo menos lograban copiar las características clásicas, a tal punto que las obras neoclásicas parecen ser de la época clásica.
en la representación de Josefina Bonaparte de Francois Pascal Simon Gerárd podemos ver como se aplican las mismas características que en las obras anteriores. La única innovación de esta obra es que sabiendo que ella es una mujer que pertenece a la realeza francesa, es representada de una manera muy tranquila y muy humilde.
Al igual que en el renacimiento y que durante la época iluminista los intelectuales se reunían en salones a discutir sobre distintos temas de conocimiento, de hecho los debates públicos eran bastante comunes. Juliette Récamier, representada por Francois Pascal Simon Gerárd, fue muy famosa gracias a que organizó uno de los salones literarios más grandes de la época.
También en la escultura se retomaron todos los cánones clásicos: proporción, anatomía perfecta, manejo de la luz, equilibrio en la obra, etc. Éstas son evidentes en la Venus Victoriosa de Antonio Canova, en ésta Paulina Bonaparte se representa al nivel de la diosa Venus, sensual y muy bella.
La forma en la que se vestía la gente también intentaba imitar al estilo clásico:
En el diseño de jarrones y de cerámicas también podemos visualizar la elegancia que caracterizaba a los artistas clásicos, de igual manera los cuerpos representados en ellos son anatómicamente perfectos y los colores son los típicos utilizados durante el período clásico. De hecho todas las cerámicas realizadas durante el Neoclásico son muy parecidas a los recipientes en los que los griegos y los romanos transportaban vino, aceite, etc. Los jarrones de la foto son un diseño de Josiah Wedgwood en el año 1790.
Siguiendo los mismos pasos y entendiendo los cánones clásicos podríamos encontrar muchas características clásicas en el siguiente jarrón hecho por Joseph-Théodore Deck.
Hablando del el diseño de los muebles podemos observar el uso del color dorado y de materiales finos estos representan la razón humana y intentaba copiar la decoración realizada por los clásicos . Además de estas característica podemos observar que estos muebles son bastante exagerados en cuanto a decoración, esto sucede ya que los diseñadores del Neoclásico querían hacer una simple copia de los clásicos; obviamente éstas no tienen la misma trascendencia que los originales.
Obras como «La muerte de Marat», en la que se representa la escena del asesinato de uno de los más importantes personajes de la Revolución Francesa se mostraron con orgullo en las grandes exposiciones que se realizaban con el fin de ejemplificar a la academia parisina.
Época Victoriana: 1837- 1901
Esta época se caracteriza por el reinado de la Victoria, la mujer que más ha durado en el trono inglés. La etapa Victoriana representa para Inglaterra el auge en todos los aspectos, sobretodo en el sector económico e industrial. Todos los países del mundo tenían como modelo a Inglaterra y sin estar satisfecha, la Reina, deseaba llegar a tener la hegemonía mundial, siendo el país más industrializado y con más territorio de todo el mundo. De hecho al reina Victoria fue la primera que se dejó fotografiar para demostrar que en su país la tecnología reinaba e innovaba.
El hecho de que la reina Victoria se dejara fotografiar fue histórico en todo el mundo ya que los reyes y las reinas siempre querían que los artistas los representaran de una manera ideal, es decir bellos, jóvenes para que de esta manera el pueblo se los imaginara y los viera con los mejores ojos posibles. La imagen de la reina se comenzó a difundir por toda Inglaterra por distintos medios comunicativos, por ejemplo postales. 
Durante esta época también nace la figura del “snob” una persona que quiere imitar las costumbres de los pertenecientes a la clase alta para así sentirse parte de ella. En muchos lugares se comenzaron a imitar las costumbres de las clases altas y todo se comenzó a basar en la hipocresía social, es decir que así alguien no tuviera dinero para alimentarse lo usaba para comprar artículos que lo incluyeran en la aristocracia. De esta manera, Inglaterra comenzó a reinar en todos los sentidos pero de una manera bastante falsa en la que los trabajadores vivían en condiciones mal sanas simplemente para sostener la fama del país.
Durante la esta época, como consecuencia de la rápida industrialización, el diseño se fusiona con el arte, evidentemente de una forma mecanizada en la que las figuras artesanales se podían reproducir industrialmente. Esto generó un arte bastante sobrecargada y sin trascendencia, con un valor monetario cualquiera ya que se reproducía de una forma fácil y técnica a través de un arte masificada y producida en la industria. Además de esto el arte Victoriana se caracteriza por el uso de muchísimos adornos de distintos colores que llenan de manera perpetua los materiales auténticos utilizados en las industrias, intentando de aluna manera imitar las características de los artistas Románticos.
Gracias a la industria los productos comenzaron a ser bastante innovadores en cuanto a diseño y a funcionalidad, por ejemplo durante esta época se inventó la silla mecedora. Antes esta no se hubiera podido realizar ya que no habían las maquinarias y los inventos apropiados para poder curvear la madera de la manera correcta.
APORTE PROPIO;
Michael Thonet
Michael Thonet es un diseñador alemán del siglo XIX. Fue muy importante por el diseño de muebles y además por que fue el creador de las técnicas del curvado de madera, descubrió nuevas experimentaciones en las técnicas para laminar y curvar la madera. Fue tan famoso y logró tantas cosas que fundó su propia industria de sillas.
Su mayor invento consistía en someter láminas de madera embebidas de cola al calor y la humedad producidos por el vapor, con el fin de obtener una masa compacta, elástica y flexible que había de someter seguidamente a presión y al modelado en formas especiales. Una vez alcanzado el grado necesario de enfriamiento, se quitaban los moldes y la madera se presentaba lista en el tamaño y en el dibujo correspondiente a las piezas de los distintos muebles, que luego se ensamblaban de manera muy simple, por medio de tornillos.
Bibliografía:
http://en.wikipedia.org/wiki/Michael_Thonet
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Gombrich, Ernst (1950). Historia del arte. London: Phaidon, 2007.!
Hauffe, T. (1998). Design: a concise history. London: Laurence King Publishing.!
Raizman, D. (2004). A History of Modern Design. London: Laurence King Publishing.! Torrent, R y Marin, J. M. (2005). Historia del Diseño Industrial. Madrid: Cátedra!
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